Critique de « Beyrouth Hôtel », un choc culturel à huis clos (♥♥♥ )

Beyrouth Hôtel Théâtre du Gymnase

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Dans un climat de guerre latente, ponctuée d’attentats, la vie s’écoule à Beyrouth. Comme elle peut. Comme son peuple l’entend. Pour survivre, pour conjurer le malheur larvé qui plane sur ce beau pays. Jouée au théâtre du Gymnase, la pièce de Rémi De Vos, « Beyrouth Hôtel », s’inscrit dans ce paysage de conflits qui donne le ton et le sel à un choc culturel entre l’Occident et l’Orient. Il imagine une rencontre entre un auteur dramatique français, un égocentrique raté et désabusé, et une réceptionniste libanaise affriolante, boulimique de fêtes et d’insouciance. Pendant cinq jours, cet auteur attend son rendez-vous avec un metteur en scène local qui se disait intéressé par sa pièce, mais qui demeurera aux abonnés absents. Une confrontation culturelle, émaillée d’incompréhensions, alternant entre rapprochement et rejet, s’installe alors entre la jeune femme dont l’appétit de vie fait injure à l’humeur chagrine et anxieuse de son client…

“Ciel, ma belle-mère !”, du sang neuf pour une reprise hilarante

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Le 14 mars 2019 sonnait la dernière de « Ciel, ma belle-mère ! », alors que le théâtre d’Edgar affichait complet tous les soirs. Covid-19 oblige. Depuis janvier 2022, ce vaudeville musclé et désopilant, de Georges Feydeau et Maurice Desvallières, est revenu dégourdir les zygomatiques des spectateurs. Joué pour la première fois en 1890 sous le titre « Le mariage de Barillon », ce texte en trois actes a été adapté par Emmanuelle Hamet qui propose une pièce moderne et jubilatoire. L’histoire est la même : Barillon, un quadragénaire bedonnant et pleutre, s’apprête à épouser une jeune fille de 20 ans qui en aime un autre… Mais, lors du mariage, une erreur de transcription de l’officier de l’état civil – gaiement aviné – acte que Barillon est marié à sa future ex-belle-mère, une femme extravagante aux sens échauffés par deux années de veuvage… L’affaire se complique avec le retour impromptu du supposé défunt mari, un pêcheur taillé dans un bloc de granit. Entre altercations, faux-espoirs et rebondissements, les comédiens complices et investis à 200 % semblent avoir un potentiel comique inépuisable !

“Folle illusion”, osez osez Drag Queens

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La Nouvelle Ève, à Paris, accueille jusqu’au mois d’avril, un show strass et paillettes, tout en folie heureuse et en audace artistique. « Folle illusion » est une troupe de Drag Queens aussi à l’aise en talons aiguilles que dans des baskets, qui dansent et chantent, imitant autant des vedettes de variété que du disco en passant par la pop. En chef d’orchestre de ce show de deux heures, Carolina. Figure notoire de la bonne humeur parisienne, frange rouge sur cheveux blonds, l’accent espagnol en pointe des pieds, elle s’impose par sa pétulance et ses réparties humoristiques comme la chef d’orchestre de ce divertissement. Osé en prouesse vocale et vestimentaire, aussi léger et pétillant que des bulles de champagne, ce show est tel de la poudre aux yeux -mais scintillante, cela va de soi ! – qui brouille tout jugement, toute stupeur, toute convention. Il sublime ce temps affreusement cartésien en le dilatant de rires et de joies. Le public ne s’y trompe pas. La « Folle illusion » déclenche l’inénarrable fièvre du samedi soir qui embrase cœurs et corps dans une frénésie contagieuse. Le bonheur n’est plus parqué dans le pré, il s’est niché dans ce cabaret du XIXe siècle et s’y est mis à l’aise, comme rentré au bercail.

“Mes adorées”, ou comment renaître de son histoire

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« Lisse », « Lisse », bien trop « lisse » ! « Abîme-toi un peu ! », lui dit-on dans le milieu. La maturité dans le regard, l’authenticité accrochée au sourire, le comédien Édouard Collin n’a pourtant de lisse que le corps délié, que d’aucuns pourraient qualifier d’Apollon. Mais la plastique de celui qui joua « Panique au ministère » avec Amanda Lear est loin d’être son seul atout, car pour ce qui est du « cabossage », il en connaît un rayon ! Sa jeunesse est un parcours de « pumptrack(1) », une affolante variation de bosses et de creux, où le plat a eu du mal à se frayer un chemin. Ce parcours mouvementé, il nous le conte au travers de son premier seul en scène, « Mes Adorées » (Théâtre du Marais). Tout y est vrai, le comédien refusant l’approximation, le mensonge et les vérités arrangées. Dirigé en sobriété et sensibilité par la comédienne et metteure en scène Izabelle Laporte, il nous livre un texte intime, dense et captivant, où la légèreté et l’humour ne cèdent pas leur place. Son jeu tout en puissance et en fêlures éclate en une myriade de rôles. En une heure, l’artiste fait la démonstration magistrale d’un jeu, complexe, varié, en nuances, où l’essence de ce qu’il est affleure à la surface de sa peau… lisse, la faisant vibrer tel un tambour. Bien qu’interne, ce cri subliminal est émouvant, pudique, assourdissant de justesse.

“Very Math Trip”, la mission sacrée de Manu Houdart

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Les langues vivantes, on connaît. En revanche, qui aurait accordé du crédit à l’existence des maths vivantes ? Pourtant, le Belge Manu Houdart nous le prouve A + B avec une énergie folle, lors de son spectacle au théâtre du Gymnase. « Very Math Trip » est un voyage ludique et pédagogique à travers le temps et les chiffres pour démythifier cette matière sur lesquels bon nombre d’entre nous ont buté, à un moment ou à un autre de notre scolarité. Que l’on ait été un petit génie ou un cancre, ou même une tête en l’air qui comprenait les maths ou pas selon le prof, ce spectacle est fait pour tous, petits et grands ! Prouesse incroyable de la part de ce prof de mathématique qui s’est donné pour mission d’être un vulgarisateur universel, non pas pour redonner aux maths ses lettres de noblesse, mais bien pour annoncer l’allégresse qu’elle procure et toute la poésie qu’elle recèle. Sous la direction de Thomas le Douarec (metteur en scène du spectacle Les Hommes viennent de Mars et les Femmes de Vénus), et avec une bonne dose d’humour, d’esprit et d’inventivité pour donner du sens à cette matière au premier abord rébarbative, Manu Houdart casse la baraque et nous dispense ses effets « Waooh ! » à foison.

“Times Square”, un quatuor en Majestic

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Manhattan. Un vieux loft new-yorkais. Matt Donovan (Guillaume de Tonquédec), un professeur d’art dramatique tout aussi défraîchi et craquelé que son appartement et qui noie ses illusions dans l’alcool. Robert Donovan (Marc Fayet), un homme mal marié, soumis à une vie trop terne depuis que son frère qu’il vénère refuse tous les scénarios. Sara « sans h » Bump (Camille Aguilar), une pétulante serveuse qui fait appel au professeur Donovan pour préparer le rôle de Juliette dans “Roméo et Juliette”, qui se donnera au Majestic. Tyler (Axel Auriant), un ex-GI au cœur pur qui cache ses troubles de stress post-traumatique dans le costume de Bunny. Ce quatuor improbable, aussi exubérant et loufoque que grave et tendre, a comme points communs une blessure non cicatrisée, le manque ou la perte de confiance en soi et la passion pour le théâtre. À la faveur de l’audition, ces quatre êtres vont se rapprocher, tenter de se tolérer, voire de s’apprivoiser. Merveilleusement soutenue par une écriture exigeante et intelligente, la nouvelle comédie de Clément Koch, « Times Square » (Théâtre Montparnasse) véhicule une puissance et une sensibilité d’égale intensité. Les répliques font mouche, les caractères antinomiques sont ciselés et leurs évolutions progressives. Les solitudes se frottent les unes aux autres avec bonheur, dans la fusion ou la scission, mais toujours avec l’ardeur des passions.

“Benjy Dotti, The Late Comic Show​”, le trublion du rire ultra

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« En toute simplicité et pour pas cher ! », tel est le mantra de Benjy Dotti dans son dernier spectacle « The Late Comic Show », à l’Alhambra, lieu culte du Music-hall. Seriné à l’envi, repris par un public embarqué dans son délire, cette litanie en clin d’œil annonce les sketchs suivants. Pendant un peu plus d’une heure, l’artiste multicarte tend à prouver – par dérision bien entendu – qu’il peut remplacer les plus grands du showbiz, avec le même effet et à moindres frais ! Ne déviant pas de cette colonne vertébrale, il valse entre imitations et caricatures, chansons et détournements de vidéos, parodiant notamment l’actualité (le pass vaccinal, la Covid-19, la SNCF…). Les vannes sont corrosives, décalées, impudentes, grivoises. On adore rire de tout, mais surtout du pire ! C’est bien connu. Avec Benjy Dotti, on est servi à volonté. L’énergie et le mordant en « open bar », il professe un humour qui n’attente à aucune pudeur, si ce n’est les fausses… quoi que. Les sketchs très variés s’enchaînent en rythme et en rupture, notamment par des adresses aux spectateurs qui en prennent aussi pour leur grade… surtout celui qui a été désigné comme étant le benêt d’un soir qui comprend les blagues à retardement. On ressort content de cette immersion en milieu déjanté. Mais surtout content de ne pas avoir été le bouc émissaire d’un soir, même pour rire !

“Les Producteurs”, un grand cru classé Michalik

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Exit « Les Producteurs », le film culte du grand Mel Brooks (1968) ! La version d’Alexis Michalik au Théâtre de Paris est un millésime exceptionnel, qui fait pétiller les yeux et les synapses, incurvant dans le même temps les zygomatiques entre sourire béat et rire franc. Tel un grand cru classé, la comédie musicale se vit avec délectation et ravissement sans un soupir… sinon d’aise ! Que l’on ait vu le spectacle original ou pas, le plaisir est neuf, intense, mémorable, comparable à l’émotion provoquée par « Edmond » (Théâtre du Palais royal jusqu’au 2 juillet 2022). Espérons que ce show musical d’Alexis Michalik reste longtemps à l’affiche, tout comme ses autres créations (Edmond, Le Cercle des illusionnistes, Le porteur d’Histoire, Intra-muros, une histoire d’amour). Même s’il n’a pas écrit le scénario de ce producteur ruiné qui imagine une arnaque à l’assurance en montant la pire comédie musicale, l’artiste a mis un fabuleux grain de sel dans le ballet que forme la mise en scène. Une signature inimitable qui bouleverse et ravit par alternance. Par les temps qui courent, ce petit bonheur de deux heures est un précieux bouclier contre la morosité et le marasme ambiants.

“Authentique”, l’autodérision faite Clémence Baron

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Premier seule-en-scène de Clémence Baron, « Authentique » est le miroir de sa vie, déformé à l’humour et à l’autodérision. Pendant une heure, la jeune auteure et comédienne présente au théâtre Mélo d’Amélie un récit tendre et caustique, où fourmille une ribambelle de personnages qu’elle aime et brocarde avec malice. C’est que la famille Baron compte des membres remarquables ! Un père un rien raciste qui voit d’un très mauvais œil le mariage de sa fille avec un Africain musulman, trois frères collants et imprévisibles, dont deux sont de joyeux trisomiques et des copains très envahissants en période Covid-19. Sans friser la caricature, Clémence Baron tord toutefois allégrement tous ces personnages. Sans s’épargner, elle raconte son enfance avec des frères insupportables qu’elle adore, son homosexualité avortée, son nez épaté, sa rencontre avec son futur mari, leur cérémonie de mariage épique et leur voyage de noces à domicile, parce qu’en plein confinement avec deux, voire quatre personnes de plus dans son petit 50 mètres carrés. Que d’excellentes raisons pour trépigner d’impatience ou de colère ! Clémence a choisi d’écrire ces meilleurs moments d’agacement et d’exaspération pour les rejouer… pour rire. Bien lui en a pris ! Le spectacle passe par l’arc-en-ciel des émotions, qui illuminent sans nul doute le cœur de sa famille, mais aussi égayent les soirées du public.

“On est tous le vieux d’un autre”, le voyage de la rédemption pour Mémé Casse Bonbons

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Mémé Casse bonbons, le personnage d’Anne Cangelosi, fait son grand retour à Paris avec « On est tous le vieux d’un autre » au Studio Marie-Bell du théâtre du Gymnase. Octogénaire plus nature que jamais avec son franc-parler incisif et décomplexé, elle vient nous narrer sa croisière sur le Nil et la découverte d’un pays magnifique, cependant gâchée par sa population… arabe. Eh oui, Joséphine Troux, veuve marseillaise du village de La Bouilladisse, est toujours aussi raciste vis-à-vis des étrangers… qu’ils soient en France ou chez eux. Dans ce troisième épisode de la vie de Mémé Casse Bonbons, Joséphine aura maille à partir avec les passagers du bateau qui la prennent en grippe, reprochant son savoir-être en société quelque peu exécrable. Un tel traitement en vase clos pendant une semaine va entamer les préjugés très profondément enracinés de cette voyageuse revêche et insupportable. Meurtrie par l’intolérance qu’elle subit et dont elle s’étonne, Joséphine verra son cœur s’ouvrir peu à peu comme une fleur pour accueillir l’autre, même différent. Cette rédemption apporte une évolution qui renouvelle le personnage. Anne Cangelosi est toujours aussi à l’aise et crédible dans son jeu, mais on retiendra de sa performance un aspect qui ressort davantage dans cet opus : l’émotion. Une émotion incarnée, vibrante, qui passe par les yeux, la fêlure d’une voix, les blessures invisibles. Un être plus vivant que jamais qui réunit l’amour universel de toutes ces mémés qui ont accompagné notre enfance.

“Le souffleur”, un métier de l’ombre sublimé par Paolo Crocco

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Après avoir été portée par son créateur Emmanuel Vacca, l’histoire d’Ildebrando Biribo revient sur les planches avec encore plus de poésie et… de souffle, au Studio Hébertot. De la version de l’excellent Paolo Crocco émanent sans discontinuer poésie et drôlerie. Les émotions, toujours justes, frappent au cœur et à l’esprit dans un jeu égal. « Le souffleur » est avant tout un hommage à ce métier, aussi utile qu’ingrat, car toujours dans l’ombre. Mais, pour Ildebrando Biribo, le célèbre souffleur congédié à la première représentation de Cyrano de Bergerac le 28 décembre 1897, c’était toute sa vie, depuis ses seize ans. Lui qui l’avait consacré à son métier se voit relégué aux oubliettes, projeté dans un gouffre d’inutilité. À la fin de la représentation, à laquelle il assista malgré tout, on le trouva mort dans son antre obscur. Le mot oublié a perdu son étincelle en même temps que son souffleur, et le métier un grand et talentueux professionnel. À travers « Le souffleur », l’auteur Emmanuel Vacca nous relate son histoire, belle et dramatique. Il parvient à nous transmettre sa passion pour ce métier aujourd’hui disparu.

“Les Trois Mousquetaires”, Du beau et grand Dumas

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Susciter un souffle épique sur une scène de théâtre – lieu restreint par excellence – est une gageure que la compagnie du Grenier de Babouchka a tenu avec brio. Et le mot n’est pas assez puissant eu égard aux sensations éprouvées lors de la représentation des « Trois Mousquetaires », dans ce prestigieux écrin du théâtre du Ranelagh. Tout est là pour passer un excellent moment, hors du temps, ou plutôt si… à l’intérieur d’un temps autre, celui de l’aventure de cape et d’épée, d’amours contrariées, des complots et de la fraternité à la vie à la mort. Les douze comédiens, dont deux musiciens (violon, accordéon, cajon, clavier, guitare) qui semblent présider aux différentes destinées des personnages, font virevolter leurs rapières avec autant d’adresse que leur langue fleurie. Il y a de l’ardeur, du panache, une tempétueuse énergie. Drame et comédie s’entrelacent étroitement. Dans un décor nu, la mise en scène est capitale pour rythmer les nombreux actes. Charlotte Matzneff s’approprie l’espace et le rentabilise de manière époustouflante. Les scènes courtes et alertes renforcent ce sentiment d’urgence et d’intensité. L’adaptation de Jean-Philippe Daguerre et de Charlotte Matzneff est moderne tout en restant fidèle à l’esprit de l’époque et au contenu. L’histoire des trois mousquetaires se réinvente, s’étoffe et se déploie comme si c’était une première. Du bel œuvre ! Dumas en sourirait d’aise.

« Qui va là ? », ou l’errance à nu

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Le Théo Théâtre accueille jusqu’au 17 décembre Thierry de Pina, un SSF – comprendre un Sans-Scène-Fixe –, comme il se plaît à dire. Durant trois semaines, le comédien a trouvé un toit pour son personnage Alexandre Cabari, un SDF au cœur tendre, mais aux pensées chagrines. La pièce « Qui va là ? », d’après Emmanuel Darley, a été jouée à domicile, à Nice, à la suite du premier confinement. Un succès stoppé en plein vol par le second confinement ! Cet ancien épidémiologiste qui, a raccroché la blouse de chercheur en 2007 pour devenir comédien, a donc adapté le texte pour la monter sur scène. Véritable rencontre de destins, entre un comédien sans scène et un homme sans domicile, tous deux désœuvrés. Joué au Festival Off d’Avignon cet été 2021, ce texte retrouve donc un lieu pour exister. Parcours erratique s’il en est à l’image du personnage, un pauvre hère qui prend en otage les spectateurs d’un théâtre pour leur raconter ses souvenirs. Se faisant complices d’une heure, ces derniers jouent le jeu et deviennent le réceptacle de la confidence d’une déshérence émouvante.

« Saint-Ex à New York », la genèse du Petit Prince en toute intimité

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Jusqu’au 31 décembre, le théâtre du Petit Montparnasse est l’écrin d’une belle renaissance, celle du Petit Prince. En revisitant la genèse de l’écriture de ce conte philosophique, l’auteur et metteur en scène Jean-Claude Idée y propose une lecture toute personnelle. Le Petit Prince serait ainsi une autobiographie symbolique d’Antoine de Saint-Exupéry, où la rose capricieuse représenterait sa femme Consuelo, où l’exil du Petit Prince serait son propre exil à New York, ville aussi incompréhensible pour lui que la planète Terre pour son petit personnage à la chevelure dorée. Mais aussi le miroir de ses inquiétudes pour le devenir de l’humanité, alors que la Seconde Guerre mondiale fait rage sur le Vieux Continent. La version de Jean-Claude Idée est puissamment incarnée par quatre comédiens aux tempéraments marqués (Gaël Giraudeau, Alexandra Ansidei, Adrien Melin et Roxanne Bennett). Les passions y sont tantôt libérées, tantôt retenues avec la même intensité, que la sobriété des décors renforce, comme si le dénuement mobilier était le reflet tangible du désarroi d’un homme empêché d’être. Ce moment de théâtre est une parenthèse unique de poésie, aussi savoureuse qu’instructive. Aussi belle que triste. Si l’écrivain n’est plus, son double symbolique ne cessera jamais de parcourir le monde.

“Le monde appartient à ceux qui le fabriquent”, l’introspection d’un saltimbanque échevelé

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Qui ne connaît pas encore Bun Hay Mean peut être surpris. Dans un stand-up trépidant, au débit de parole rapide et au langage emprunté aux jeunes, ce quadragénaire à la success story ose tout dire, le meilleur comme le pire… et surtout le pire. En communion avec la salle, il ressent les états d’âme, notamment lorsqu’il franchit la ligne de l’entendable. Qu’importe ! S’il y a des frontières à ne pas dépasser, il les saute allégrement, tout sourire, un rien désinvolte comme l’enfant pris le doigt dans la confiture… et qui n’en a rien à faire de se faire réprimander. À cet humoriste déjanté, la scène manquait, les applaudissements – source non négligeable de son mieux-être –, manquaient aussi. Il lui tardait de remonter sur scène, après son dernier spectacle, « Chinois marrant ». Avec « Le monde appartient à ceux qui le fabriquent », à l’Européen jusqu’au 18 décembre 2021, il propose un show plus introspectif évoquant ses débuts d’humoriste, ses rencontres, mais aussi sa famille. Est-ce le résultat d’une disette de rencontres avec son public ? Toujours est-il que cet ex-clochard – à l’avis d’imposition désormais hallucinant, de son propre aveu – et qui a une faim d’ogre de scène et d’interactions avec son public se livre à nu, sans censure, préférant la langue affranchie à la langue de bois. L’exubérance échevelée, les propos outranciers, Bun Hay Mean aurait tout pour déplaire, mais il est très drôle, parfois irrésistible. Alors… on lui pardonne pour nos oreilles écorchées et on applaudit de bon cœur.

“Les collégiens”, l’hommage qui rend heureux

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Une fois n’est pas coutume, parlons musique. Parce qu’elle est joyeuse. Parce qu’elle fait battre la mesure du pied, sans y penser. Parce qu’elle raccroche à un passé où l’insouciance était dans l’air du temps. Vendredi 12 novembre dernier, au Pan Piper (Paris XIe), une soirée exceptionnelle était organisée pour lancer la sortie du CD « Hommage à Ray Ventura & Sacha Distel ». Dix chansons emblématiques et une inédite ont réuni les « Collégiens », dans la même formation qu’en 1993, sous la direction de Ramon Gimenes, en associant les voix chaudes et jazzy de Franck Sitbon et Charlotte Perrin. Depuis « Qu’est-ce qu’on attend pour être heureux » (1938) à « La belle vie » (1964), en passant par « Ça vaut mieux que d’attraper la scarlatine » (1937) ou encore l’increvable « Tout va très bien, Madame la Marquise » (1935) chantée dans les colos ! Tout aussi increvables, les Collégiens d’aujourd’hui sont aussi pimpants et enjoués qu’il y a presque trente ans. Le swing et la décontraction sont au rendez-vous des retrouvailles. Ils jouent et se répondent du tac au tac, mais s’amusent aussi avec le public qui en redemande en claquant des mains. À noter la présence d’une femme au sein des Collégiens, une « collégienne » de talent qu’on aimerait entendre davantage. Outre sa voix de velours, Charlotte Perrin apporte une touche de fraîcheur indéniable. Bref, une ambiance bonne enfant qui réchauffe les souvenirs. Du spectacle vivant qui déborde de vie comme pour conjurer les peines futures.

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